SPAN 3110 Spring 2017 at KMA

 In Spring 2017 my students in SPAN 3110 Advanced Spanish Composition and Conversation I class and I had the pleasure of visiting the Kennedy Museum. We were given a wonderful guided tour in Spanish. The two exhibitions we visited were Warrington Colescott: The History of Printmaking and Other Travels and Land and Sea: Visions of New England. Here we would like to share with you the writings the artwork inspired in us.

Ashwini Ganeshan, PhD
Assistant Professor of Spanish
Department of Modern Languages
Ohio University

IMG_1435.JPG

Andrew Wyeth, Young Fisherman in Dory, 1935 (detail), watercolor. Collection of Huntington Museum of Art

Ryn Conner
Dra. Ganeshan
SPAN 3110
30 de enero 2017

Taller de Escritura: La Obra de Arte Más Bonita en el Museo Kennedy de Arte

Mi obra de arte favorita que vimos en el Museo Kennedy de Arte es Young Fisherman in Dory. El artista de la pintura es Andrew Wyeth y él pintaba en el año 1935 con acuarelas. El cuadro es casi el tamaño un periódico doblado en la mitad y está en un marco blanco. En este cuadro, hay un hombre joven, de pie, como una estatua alta, en un barco pequeño y blanco en la playa. El hombre lleva un sombrero y tiene dos remos en los dos lados del barco. El cielo es gris con nubes, el agua del mar es gris y azul, pero la playa es una mezcla de café, gris, y azul. Esta obra de arte es muy bonita porque los colores que el artista eligió para el cuadro son muy tranquilos y de baja intensidad. Los colores tranquilos y un poco fríos en el cuadro son como el aire de la primavera. En la primavera, el aire puede ser un poco frío porque el invierno ha terminado; y en este cuadro, parece como la temperatura del aire y del agua están frías.

El cuadro hace sentirme tranquila, contenta, pero un poco triste por que parece que el sujeto del cuadro, el pescador joven, ha perdido sus compañeros del barco. No sé si es la razón correcta, pero es una posibilidad. Cuando reflexiono más sobre el cuadro, tal vez el artista usó el simbolismo para su cuadro. Si el hombre en el barco no ha perdido a sus compañeros, tal vez, él está buscando algo. Él no tiene una cara evidente, entonces, el hombre está buscando el sol o la felicidad probablemente.

En conclusión, cuando vi el cuadro de Andrew Wyeth, los colores me dejaron sin palabras. La elección de las acuarelas para este cuadro fue muy creativa. El hecho de que Wyeth solo tenía 18 años cuando terminó la pintura bonita es muy admirable. Después de mi análisis de Young Fisherman in Dory, puedo decir que me convertí una fan de Wyeth y sus pinturas; y me volví muy interesada en su arte.

Tyler Schwartz
Ganeshan
SPAN 3110
1-30-17

El Pescador: Estados de Libertad

El arte ha existido desde la primera evidencia del ser humano en este mundo. Ha ilustrado no solo la historia, pero los sentimientos y las creencias del artista también. Su propósito es transferir estos sentimientos al espectador y permite interpretar y producir sus propias opiniones. La obra El Pescador de Andrew Wyeth, en particular, me dio una gran impresión.

El Pescador es una pintura muy sencilla, pero con mucho poder también. Hecho con acuarela en lienzo, el tamaño es cerca de tres pies por dos pies. La obra presenta un hombre de pie en una canoa en el mar, mirando al horizonte. Wyeth usó colores fríos y opacos por toda la obra, dando un estado de ánimo tranquilo. En la distancia, se encuentran el mar y el cielo y parece que abarcan hasta infinidad. A la derecha, hay tierra lejos que crea un estado de curiosidad y aventura. Wyeth pintó el cuadro en una manera interesante. De lejos, todo se mezcla con el aspecto de un sueño, sin embargo, de cerca se puede ver las técnicas del artista y el grado de su habilidad asombra. Mirar a la pintura es lo mismo que estar en la playa. Da un sentido de inmersión, el espectador siente el movimiento de las olas y la brisa fresca. Por eso, la obra tiene una gran significancia.

El momento que yo la vi, instantemente me puse libre y tranquilo, sentimientos que son difíciles de conseguir de veras. El hombre dejando sus responsabilidades a las manos del mar es un estado de libertad que todos buscan, un estado que se pone infinito. La pintura me recuerda a un cuento corto donde un niño viaja por un mar de nubes hasta una tierra mágica donde se puede estar contento cuando está triste. Creo que esto es lo que Wyeth quería expresar con esta obra. Quiere que se encuentre un momento de paz en una vida estresante. Por eso me he enamorado perdidamente de él, y siempre recodaré lo que significa.

1.jpgEmil Carlsen, The Heavens Are Telling, c. 1918 oil on canvas.

Abigail Espaillat
Ashwini Ganeshan
Español 3110
02/06/2017

Un Análisis de The Heavens are Telling Pintado por Emil Carlsen

La obra de arte que yo escogí se llama The Heavens are Telling pintado por Emil Carlsen en una pintura al óleo en una lona el tamaño de un poster. La pintura representa el sol detrás de las nubes encima del mar. Pero, algunas personas que visitan al museo piensan que es una pintura de la luna, no el sol. Para mí, es claro que es el sol porque el azul del agua y del cielo no son oscuros, como lo serían si fuera una pintura de la luna. Me gusta esta pintura porque cuando lo vio sentía paz y felicidad. Me sentía como todo sería bien. También, la pintura estuvo pintado en Nueva Inglaterra y yo soy de esta parte de América, así me recuerda de mi ciudad natal. La próxima vez que tengo morriña quiero visitar la exhibición. Yo pienso que Emil Carlsen quería representar la belleza de la naturaleza. Cuando miro la pintura también puedo ver un sentimiento de una cómoda soledad del artista. Imagino que Carlsen pasaba días trabajando solo en su obra y cuando terminó se puso aliviado y contento. Pero yo sé en realidad él no estaba satisfecho, porque los artistas nunca están satisfechos.  Porque no hay ninguna persona ni cosa de vida en la pintura yo pienso que es temprano en la mañana, posiblemente justo después del amanecer. El mar está tranquilo y es de un azul claro, las nubes son plumillas y blancas como malvaviscos. Eso es la razón que veo un mensaje positivo en la pintura. El título, The Heavens are Telling significa para mí que los cielos están diciendo que hay un nuevo comienzo increíble justo más allá del horizonte, como el amanecer. En conclusión, me gusta esta pintura yo pienso que esta pintura significa la belleza de la naturaleza y un comienzo nuevo.

e02d00a1d617567bcf281bb37c395ba3

Emily Doll
Dra. Ganeshan
SPAN 3110
El 21 de enero, 2017

Un Análisis de The Inlet – Morning de Andrew Wyeth

Voy a discutir The Inlet – Morning, que es una pintura del pintor famoso Andrew Wyeth.
El tipo de arte que es The Inlet – Morning es una pintura, pero más especificamente, es una acuarela. El material es pintura en una lona. El tamaño de The Inlet – Morning es similar a una pintura regular. La pintura no tiene muchos detalles, pero es evidente que el pintor tiene muchas habilidades. Esta obra de arte tiene muchos colores oscuros: azules, negros, morados, y granates. Los colores crean un mar que tiene ensenadas. En una de las ensenadas un hombre está en un bote pequeño. En la parte superior de la pintura, hay casas. Pienso que a Wyeth le gustó crear obras de arte que representan escenas del mar, especialmente en Maine y el resto de los estados de Nueva Inglaterra. Esta obra es similar a otras de él, y también representa una escena de un lugar que Wyeth visitó en su vida. Sin embargo, en un nivel más profundo, pienso que esta pintura representa las emociones de Wyeth cuando él estaba pintando. Los colores oscuros del mar representan la tristeza de Wyeth, y el arte es una oportunidad para expresar sus sentimientos negativos. También, los colores muestran el humor de esta obra, que es melancolía. Algo que representa la tristeza es el cielo que es gris y aparece nublado. El bote en esta pintura tiene un hombre en él. Pienso que este hombre es Wyeth. Él pintó a sí mismo en un bote porque el bote representa un escape de la realidad y Wyeth quiere escapar de su vida y va a otro lugar donde el medio ambiente (que representa las cosas malas en su vida) es más bello. Wyeth quería ponerse de buen humor. Cuando vi esta obra, me puse triste. En mi opinión, Wyeth quiere que su audiencia se sienta triste cuando ve The Inlet – Morning. Él quiere que su audiencia se sintiera como él se sintió cuando estuvo pintando esta obra.

2.jpg

Emma Cliffe
01/22/17
Spanish 3110
Dra. Ganeshan

 La Paz en la Naturaleza

            En el Kennedy Museo de Arte, una obra de arte que resaltó para mí, fue “A Clearing in June” por Charles H. Davis. Esta obra es un cuadro al óleo en lienzo con una escena de la naturaleza. El artista usó pinceladas amplias, creando una escena muy calma, capturando la paz de un día en el verano. Esta obra es en el estilo de impresionismo, una forma que Davis y sus homólogos del siglo diecinueve usaron.

El artista, Charles H. Davis, era de Massachusetts y asistió al School of the Museum of Fine Arts, Boston. En 1880, Davis viajó a Paris para asistir a la Academie Julian para convertirse en un artista profesional. Vivió en Paris por diez años, y de la Academie Julian, Davis aprendió la forma de impresionismo.

Cuando yo miro este cuadro, puedo sentir el aire y el sol. Las nubes son libres y generosas, como bolas de algodón; me pongo feliz. Esta escena me hace establecer en el campo y ver las nubes en el cielo. Esta obra me recuerda a la casa de mis abuelos en Indiana. Hay un campo muy grande como en el cuadro, un lago en el centro, y mucho sol y nubes. Me siento tranquila con el sol, las nubes, y el césped debajo de mí.

Creo que esta obra es un portal al alma de Davis. La escena es un retrato de la vida simple y la vida de Davis. También, la vaca en el centro de la obra es un símbolo de la fertilidad, la abundancia, y representa la tierra y el cielo. Davis vivió muy cerca de los paisajes que pintó y él amó la naturaleza que pintó. La relación entre Davis y sus paisajes están en los detalles de sus obras; la pasión en las pinceladas, el flujo de los objetos y los colores, la composición abierta, etc.. En todo, esta obra es una de sus obras más fantásticas.

IMG_1438

Heather Sabruno
Taller de Escritura Final 1
Dra. Ganeshan
SPAN 3110
El 26 de enero, 2017

Las Obras de Picasso en un Zoológico Creativo

Esta obra de arte se llama Picasso at the Zoo por Warrington Colescott. Es de una exposición en un museo de arte. La obra es una aguafuerte y stencil. Es de papel. Es grande y está en un marco. También es muy abstracta y hace referencia a Picasso. Creo que algunas pinturas son familiares a muchas personas porque Picasso era famoso. En la obra hay personas, animales, una persona abstracta y animales abstractos. Dos personas están sentadas cerca del café de un zoo. Ellos parecen ser pobres y muy delgados y no tienen emociones. Parecen ser misteriosos y llevan ropa neutra y oscura. Los dos niños en la obra parecen estar alegres. También hay muchos colores como naranja, rojo, morado y marrón. Pero el fondo es muy oscuro y misterioso. Pienso que hay tres cosas que parecen ser parte animal y parte ser humano. Una de ellas es mitad hombre mitad toro. Se está escapando de su jaula en el zoo. Es posible que los otros animales sean un caballo, una vaca, y un avestruz. También hay criaturas y no son animales. Una parece un monstruo. La criatura naranja es extraña como un centauro de mitología. Todos están enojados o confundidos y vienen de diferentes pinturas de Picasso.

Cuando primero miraba la obra, estaba confundida. Pero, luego mientras más miraba la obra, mi opinión se hizo diferente. Hice una interpretación para la obra y me comenzó a gustar. Trataba de comprender la obra y el mensaje de Warrington. Me gusta la obra porque puedes ver muchos aspectos de Picasso en ella. Pienso que las obras de Picasso son muy importantes e interesantes para mí. Rápidamente reconocí la vaca en Picasso at the Zoo. Era de la obra que se llama Guernica. De lejos, la obra parece ser normal o relajante por los colores y los animales. Pero este sentimiento y esta percepción se hacen diferente cuando miras a la obra de cerca. Entonces, ves la oscuridad y las cosas misteriosas en la obra. El fondo es oscuro como el cielo de la noche.

Me sentí interesada mientras estudié la obra. Me gusta mirar muchas obras de Picasso en una exposición. Creo que a muchos visitantes en el museo les gusta la obra. Porque la obra es abstracta, la gente puede sacar interpretaciones diferentes y sentimientos diferentes de la obra. Pienso que este fue el objetivo de Colescott. En mi opinión Colescott quiere comunicar que las personas diferentes en el mundo tienen opiniones diferentes y miran el mundo en diferentes formas. Así es posible que la identidad de una persona forma su percepción del mundo. Por ejemplo, en la obra, las personas tienen diferentes emociones y expresiones. También Colescott quiere enseñar a la gente sobre la historia de arte y tipos de arte. Él trata de pensar sobre Picasso y hace arte de sus pensamientos.

Leah Ryu 
Dra. Ganeshan
SPAN 3110
30 Enero 2017

Del Arte: El Comentario Brillante de la Oscuridad

 Este grabado es parte de la serie “History of Printmaking” por el artista americano Warrington Colescott. Se llama Picasso at the Zoo. Es modesto; estimo que su tamaño es similar a lo de una ventana en un autobús público. Aunque se ve como es de tres dimensiones, el

grabado es simplemente un rectángulo hecho de algunas tintas puesto en papel por una plancha.

Esta obra tiene algunas características que la distingue de otras obras. Para empezar, tiene la paleta limitada de anaranjado, lila, un poco de rojo y varios matices de gris. También utiliza las imágenes de la jaula y de los animales extraños, imágenes del zoológico; es inusual que el foco en las criaturas sea igual al foco en las personas.

La misma imagen representa dos plantas de un zoológico. Los visitantes están de pie en la primera planta, y están tomando fotos y admirando las criaturas, que gritan y pisan sus pies. Las personas tienen frivolidades como el “Cafe de la Zoo”; ellos son inconscientes de la realidad en que los animales se quedan sin las necesidades básicas de la vida.

Cuando miro Picasso at the Zoo, me da una sensación de urgencia y conflicto, así que me pongo ansiosa y perturbada en las partes más profundas de la mente. Pero esta obra atrae mi atención porque creo que se debe trabajar para comprenderla completamente, como la luz

solamente penetra a la superficie del océano, y los misterios verdaderos están mas profundos dentro del agua. Los colores limitados contribuyen al poder y al ambiente oscuro de esta obra.

Por ejemplo, el morado, que tradicionalmente representa la realeza, representa como la gente se cree superior a los animales y la crueldad que implementa como resultado. También, el gris representa tonos de la moralidad. Y por fin, el anaranjado aquí es fuego otoñal—me recuerda a los comentarios de guerra y sufrimiento de Picasso, a quien este grabado se refiere.

En general, creo que Picasso at the Zoo trata de mostrar una vida atrapada—el zoológico es la vida. Las personas son ciegas y no reconocen que son iguales que los animales que oprimen. Tal vez Señor Colescott quiere decir que como resultado de separarnos de criaturas, personas o cosas que no comprendemos, solamente evaluándolos superficialmente, nos estamos atrapando. En realidad no existen dos cosas sean tan diferentes, incluso los animales y los seres

humanos. Si miramos los animales como el mal (o personas diferentes a nosotros) y la

gente como el bien, también recibimos el mensaje que el bien y el mal son matices de significado, no dos lados de una moneda. Colescott utiliza la composición confusa para jugar con esta noción: ¿son las criaturas que están en las jaulas verdaderamente? ¿O son las personas?

Paco Leones Doctora
Ganeshan
Español 3110
23 enero 2017

Un Zoológico extraño

La obra que vi en el museo se llama “History of Printmaking; Picasso at the Zoo.” El artista que pintó este aguafuerte se llama Warrington Colescott. El proceso que Colescott usó por esta obra se llama grabado.

La obra es de un tamaño medio, el material que la artista usó en este aguafuerte son pinturas de aceite y los colores son de anaranjado, blanco, café, gris negro y un poco de morado. Esta obra tiene un tema abstracto por que Picasso influyó a Colescott para crear este aguafuerte. Primero vez que vi esta obra mis ojos fueron al fondo porque tiene un toro y un caballo muy similar a la pintura de Picasso que se llama “Guernica.” Las otras pintas de Picasso que influyeron este cuadro son “La Llorona” y “El viejo guitarrista.” La razón de esto es por que la mujer en el frente de este foto es muy abstracto con muchos cuadros, y el hombre que está sentado tiene el mismo cara de el viejo guitarrista y tiene piel muy pálido. Este aguafuerte tiene muchas cosas por los ojos pueden ver pero no es irresistible.

El significado de este aguafuerte es importante hoy en día, porque el arte y la imaginación son prisioneros de tecnología. Hoy los hijos no tienen una imaginación y ellos siempre están enfrente de una pantalla. Los animales son los prisioneros y las personas tomando fotos son personas que no tienen un imaginación y necesito tomar fotos para inspiran su mente. Las obras que Colescott pintó son descolorido porque en un mundo sin imaginación, el arte será

más básico y no tiene suficiente habilidades para crear cosas muy creativos con muchísimo colores.

Pienso que esta obra es un aviso y quiere pondrá sentimiento que personas son menos creativas. Pero nosotros podemos cambiar este problema y necesitamos dejar de pongamos mucho atención a las matemáticas y las ciencias y enfoca en los artes. Sí haríamos estos cambios podemos convertir el mundo y tener un buen equilibrio.

IMG_1437

Magdalena Wood
Profesora Ganeshan
Español 3110
30 de Enero, 2017

La Oscuridad

El grabado se llama The Last Printmaker por Warrington Colescott. Lo que enseña el grabado es una imagen del mundo después de un apocalipsis. Hay tres partes muy importantes en este grabado: la ciudad con el cielo, la cueva debajo la ciudad, y el edificio que toma lugar en la mitad derecha. Tan pronto que vi este grabado, me puse muy nerviosa porque está lleno de oscuridad. Las imágenes dentro el grabado no son bellas sino atemorizantes. El grabado es rectangular y el tamaño es cerca de tres por dos pies.

Para empezar, la primera parte del grabado es la ciudad y el cielo. Un cielo ideal es azul con nubes blancas, pero en vez de eso el cielo se ve como si fuera hecho de fuego. Los colores son rojo, amarillo y anaranjado pero hay tanto humo que el cielo se ve oscuro. Dentro del cielo hay dos dragones, uno pequeño y el otro muy grande y ese está comiendo una persona. La ciudad está en peligro de ser destruida por un monstruo enorme. Parece ser una gorila morada y es del mismo tamaño que los edificios. No sólo está destruyendo la ciudad, sino que también está comiendo a la gente que está en la parte superior de los edificios.

Para continuar, debajo la ciudad hay una cueva que en el pasado podría haber sido un túnel del metro. En el túnel hay un vagón al revés con dos personas encima luchando. Alrededor y adentro del vagón hay gente desnuda que parece vivir en el túnel. La ropa está colgada como si estuviera secando y una mujer está cocinado sobre un fuego.

Finalmente a la derecha del grabado hay un edificio de varios pisos. Cuando vi esta parte me quedé sin palabras porque es tan caótica. Este edificio es como el Leaning Tower of Pisa; se ve como que está a punto de caer. Dentro del edificio hay cerca de veintitrés personas desnudas que están haciendo uno de tres cosas: haciendo amor, luchando o disparando pistolas. En esta realidad parece que no hay leyes porque el edificio está en caos. Hay sangre en todas partes, las ventanas están destrozadas y la gente está disparando pistolas en medio de la ciudad. En el primer piso hay un hombre que pinta sus manos y otras imágenes en las paredes. También a lado de él hay otro hombre. Ese hombre es la única persona en todo el grabado que está completamente vestida y él lleva una antorcha, el único objeto que brilla.

En general este grabado es una posibilidad real de lo que el mundo podría parecer después de un apocalipsis. Warrington Colescott no sabe cómo el mundo seria despues de un apocalipsis pero esto es su conjetura. Todos los colores son oscuros simbolizando que no hay mucha luz en esta realidad y eso puede indicar que tampoco hay mucha felicidad. Los colores son rojo, amarillo, anaranjado, negro, morado, y gris; estos son los colores de fuego y oscuridad. Pero al otro lado hay un hombre pintado manos y otras imágenes en una cueva brillante. Creo que sus pinturas son un reflejo del horror que está pasando. Sin embargo el hombre con la antorcha simboliza esperanza. Demuestra que el fuego puede hacer luz en vez de la destrucción.  Mirando este grabado sentí un golpe en el estómago, no porque es extraño, pero porque casi no hay esperanza, nada más es el comienzo del final. Espero que el mundo nunca se convierta en una casa para monstruos ni un lugar donde la única vida para la gente es el miedo.

Mary Calaiacovo 
Dra. Ganeshan
SPAN 3110
El 22 de enero, 2017

Un Desastre Bonito y Feo

Warrington Colescott es un artista que vive en Wisconsin. Su novia, Francis Colescott, y él manejan su companía Mantegna Press. Uno de sus grabados más famosos se llama History of Printmaking: The Last Printmaker. Este grabado de serigrafía mide 22×30 pulgados y muestra un apocalipsis del futuro. Hay muchas cosas que indican pánico y violencia. Los colores principales son rojo, azul y verde. Estos colores son colores de terror y fuego y trabajan con el tema de histeria. El color verde representan la envidia y avaricia de los pecadores. La primera vez que vi este grabado, vi un desastre bonito, pero cuando vi los detalles, vi un desastre feo. Las personas son sucias, desnudas y cometen actos malos.

Este grabado es muy interesante para mí porque refleja los temas en la Biblia cuando Dios envía una plaga a las personas porque todos eran pecadores. El cielo es tan rojo como el fuego que Dios puso en los pecadores en la Biblia. Creo que el artista quería dar una advertencia para todas las personas que no se portan bien, Dios va a enviar monstrous y matar a todos si nadie se porta bien.

Es obvio que las personas en el grabado cometen pecados. Muchísimas personas no llevan ropa. Encima de un carro metro un hombre está violando a una chica. Godzilla está destruyendo los edificios y un dragón tiene una mujer en su boca. Algunas personas intentan ayudar a la mujer, pero mucho gente no sabe que ella está en la boca de un dragón. La autopista está rota. En un rincón el último grabador está pintando en la pared de una cueva. Esta acción muestra valor porque cuando el mundo está en líos, él está recordando los eventos. Está grabado es una serigrafía muy interesante que tiene una advertencia para una posibilidad de nuestro futuro si personas no hacen buenas decisiones.

IMG_1436

Meena Patel
Dra. Ganeshan
Español 3110
30 de enero, 2017

Impresionismo y el Mundo

La obra de arte que atrajo mi atención es la pintura impresionista de Charles-Françoise Daubigny con el título “Paisaje y Río”, que se creó en 1876. Daubigny usó petróleo de pintura en la tabla para pintar un paisaje con detalles pequeños, pero el aspecto más importante es el panorama por los artistas impresionistas (y muchas pinturas de Barbizon). Mientras los detalles muestran una escena de Francia, la pintura en general me recuerda a mi casa. La obra ilustra la interpretación de Daubigny sobre la serenidad del río, prados verdes y algunos árboles con nubes en el cielo, aunque muchas personas ven nubes y piensan en tristeza.

Las colinas suavemente rodantes y la ribera traen memorias de mi juventud, cuando mis hermanas y amigos jugaban en el agua o se escondían en los árboles en el parque muy cerca de mi casa. El aire— fresco como un vaso de limonada en el verano— nos despertaba mientras los colores blandos daban la sensación de tranquilidad, y el paisaje vacío crea el sentimiento de paz. Estas memorias llegan a ser unas de mis favoritas de mi niñez.

Creo que la intención de esta pintura es agradecer todos los aspectos de la naturaleza, incluso cuando el tiempo parece un poco malo. El paisaje dio la inspiración a Daubigny , y él transformó la escena a una pintura con pinceladas que representan la esencia de los detalles que vio en la vida real. La importancia de esta técnica es la percepción que el mundo real no es

sólido, pero es abierto a muchas visiones diferentes. Con ojos diferentes, todas las personas pueden ver el mismo paisaje, pero sienten muchos ambientes diferentes.

Esta pintura es posiblemente mi obra favorita, y me hice interesada en los artes otra vez.

Es precioso ver que algo tan simple se hizo una obra maestra con mucha influencia en las culturas de Francia y de Nueva Inglaterra.

 

 

Creative Commons License
This work is licensed under a Creative Commons Attribution-NonCommercial-ShareAlike 4.0 International License.